22 Beste Videospiel-Soundtracks, die einfach viel zu gut sind (und wie man sie anhört)

Einige Videospiel-Soundtracks scheinen von einem Komponisten geschaffen worden zu sein, der viel zu viel kreative Freiheit hatte (und dafür können wir alle den Göttern danken).

Niemand hat darum gebeten, dass das Pausenmenü von Goldeneye so gut klingt. Stardew Valley hätte nicht einen der gemütlichsten Soundtracks aller Zeiten brauchen müssen. Und doch sind wir hier, und summen diese Melodien Jahre später immer noch.

Einige Videospiele werden für ihre Geschichten in Erinnerung behalten, andere für ihr Gameplay, aber diese? Diese werden wegen ihrer absolut großartigen Soundtracks in Erinnerung bleiben.

Lasst uns die Spiele feiern, deren Musik einfach keinen Grund hatte, so gut zu sein, aufgelistet hier in keiner bestimmten Reihenfolge. Wir haben die Spotify-Links zur Verfügung gestellt, aber wenn ihr einfach nach (den meisten) dieser Spiele in eurem bevorzugten Streaming-Dienst sucht, findet ihr ihre OSTs.

Die Beste Videospielmusik Aller Zeiten

Tony Hawk’s Pro Skater

Der Soundtrack von Tony Hawk’s Pro Skater war nicht nur gut – er war epochemachend. Eine Mischung aus Punkrock, Ska und Hip-Hop, die perfekt den rebellischen, adrenalingeladenen Geist der späten 90er und frühen 2000er Skate-Kultur einfing.

Tracks wie Goldfinger’s “Superman” und Rage Against the Machine’s “Guerrilla Radio” waren nicht nur Hintergrundmusik; sie wurden zu Hymnen, die für immer mit Erinnerungen an das perfekte Kickflip und endloses Railsliding verbunden sind. Der Soundtrack setzte eine hohe Messlatte für Sport- und Extremsportspiele und bewies, dass die richtige Videospielmusik ein Erlebnis von Spaß zu unvergesslich heben kann.

Goldeneye (Nintendo 64)

Der Soundtrack von Goldeneye 007 ist eine Meisterklasse in atmosphärischer Videospielmusik, die spannende Spionagethemen mit unerwartet funky Beats kombiniert. Die Komponisten Grant Kirkhope, Graeme Norgate und Robin Beanland ließen sich von klassischen Bond-Scores inspirieren und injizierten eine einzigartige Energie, die jede Mission filmisch wirken ließ.

Selbst die Musik im Pausenmenü – ein einfacher, sich wiederholender Track – wurde sofort zu einem Klassiker und bewies, dass manchmal die kleinsten Details in Videospiel-Soundtracks die größten Eindrücke hinterlassen. Ob beim Schleichen durch feindliche Basen oder in chaotischen Mehrspieler-Schlachten, die Musik von Goldeneye ließ jeden Moment cooler erscheinen, als er es eigentlich war.

Command and Conquer: Red Alert 2

Der Soundtrack von Command and Conquer: Red Alert 2, komponiert von Frank Klepacki, ist eine Kraftquelle aus industriellem Rock und elektronischen Beats, die die Intensität von Echtzeit-Strategie auf ein neues Level hebt. Tracks wie “Hell March 2” wurden zu sofortigen Klassikern, die militärische Trommelrhythmen mit schweren Gitarrenriffs kombinieren und somit einen der bekanntesten Videospiel-Soundtracks aller Zeiten schaffen.

Im Gegensatz zu vielen Strategiespielen, die auf orchestrale Kompositionen setzen, entschied sich Red Alert 2 für einen aggressiven, energiegeladenen Ansatz, der das Aussetzen von Panzern und das Starten von Luftangriffen noch aufregender machte. Es ist ein Paradebeispiel dafür, wie Musik in Videospielen die Immersion des Spielers komplett transformieren kann, sodass jeder Kampf größer als das Leben wirkt.

Stardew Valley

Der Soundtrack von Stardew Valley ist ein Beweis dafür, wie Videospielmusik ein Erlebnis formen kann, indem sie ein einfaches Farming-Sim in etwas tiefgreifendes und emotional Resonanetes verwandelt. Vollständig von dem Entwickler des Spiels, Eric Barone, komponiert, wechselt die Musik wunderschön mit den Jahreszeiten – hell und frisch im Frühling, warm und nostalgisch im Sommer, knackig und nachdenklich im Herbst und friedlich, aber melancholisch im Winter.

Jeder Track vermittelt ein Gefühl von Komfort und Vertrautheit, sodass selbst die routiniertesten Aufgaben im Spiel belohnend wirken. Die Kombination aus sanftem Klavier, zarter Gitarre und subtilen Ambient-Elementen schafft einen zeitlosen Charme, der die Spieler immer wieder zurückbringt und beweist, dass ein gut gestalteter Computer-Spiel-Soundtrack kein Orchester braucht, um einen bleibenden Eindruck zu hinterlassen.

Bastion

Der Soundtrack von Bastion, komponiert von Darren Korb, ist eine atemberaubende Fusion aus Folk, Blues und elektronischen Elementen, die dem Spiel seine einzigartige Identität verleiht. Im Gegensatz zu vielen Videospiel-Soundtracks, die in den Hintergrund treten, fühlt sich die Musik von Bastion wie ein integraler Bestandteil der Erzählung an und fügt sich nahtlos in die dynamische Erzählweise des Spiels ein. Tracks wie “Build That Wall” und “Setting Sail, Coming Home” tragen eine emotionale Schwere, die in der Videospielmusik selten zu finden ist, und verstärken die Themen des Spiels von Verlust, Überleben und Wiederaufbau.

Die rauen, akustischen Töne kombiniert mit atmosphärischen Synths schaffen eine Klanglandschaft, die perfekt zur post-apokalyptischen Fantasiewelt des Spiels passt und es zu einem herausragenden Beispiel dafür macht, wie Musik in Videospielen die emotionale Reise eines Spielers gestalten kann.

Undertale

Der Soundtrack von Undertale, vollständig von dem Entwickler des Spiels, Toby Fox, komponiert, ist eine Meisterklasse darin, wie Videospielmusik das Geschichtenerzählen, Emotionen und Gameplay verbessern kann. Jeder Track ist sorgfältig gestaltet, um zur skurrilen, herzlichen und manchmal beunruhigenden Atmosphäre des Spiels zu passen, wobei herausragende Stücke wie “Megalovania”, “Spider Dance” und “His Theme” sofort zu Klassikern wurden.

Der Soundtrack wechselt dynamisch basierend auf den Entscheidungen der Spieler und verstärkt die Themen von Konsequenzen und Moral. Durch die Kombination von Chiptune-Melodien mit orchestralen und rockigen Einflüssen schafft die Musik von Undertale ein unvergessliches Erlebnis, das bei den Spielern bleibt, lange nachdem sie das Spiel niedergelegt haben. Es ist ein perfektes Beispiel dafür, wie Musik in Videospielen über ihr Medium hinausgehen und ikonisch werden kann.

Hotline Miami

Der Soundtrack von Hotline Miami ist ein unermüdlicher, neon-getränkter Angriff auf die Sinne, der die chaotische und brutale Atmosphäre des Spiels perfekt einfängt. Mit einer kuratierten Auswahl an Synthwave- und elektronischen Tracks von Künstlern wie Perturbator, M.O.O.N. und Carpenter Brut pulsiert die Musik mit einer ansteckenden Energie, die die schnellen, ultra-gewalttätigen Aktionen des Spiels antreibt.

Mehr als nur Hintergrundgeräusch wird der Soundtrack zu einem wesentlichen Teil des Erlebnisses, das nahtlos mit dem hypnotischen Rhythmus und den psychedelischen Visuals des Spiels synchronisiert wird. Nur wenige Videospiel-Soundtracks haben eine so perfekte Verbindung von Klang und Gameplay erreicht, was Hotline Miami zu einem Paradebeispiel dafür macht, wie Musik in Videospielen Stimmung, Spannung und Spielerimmersion formen kann, wie es kaum ein anderes Medium kann.

Halo: Combat Evolved

Der Soundtrack von Halo: Combat Evolved ist einer der ikonischsten Videospiel-Soundtracks, die je komponiert wurden, und vereint große orchestrale Kompositionen mit unheimlichen, atmosphärischen Sci-Fi-Klängen. Martin O’Donnell und Michael Salvatori schufen einen Score, der Halo sofort von anderen abhob, wobei die charakteristischen Gregorianischen Gesänge und sweeping orchestralen Arrangements dem FPS über einen Supersoldaten, der gegen Aliens kämpft, ein unerwartetes Maß an Gewicht und Gravitas verleihen.

Tracks wie “Opening Suite” und “Truth and Reconciliation” bringen eine emotionale Schwere in die Action, wodurch jeder Feuergefecht filmisch wirkt und jeder ruhige Moment weit und geheimnisvoll erscheint. Es ist ein perfektes Beispiel dafür, wie Musik in Videospielen ein Spiel von einem einfachen Shooter zu einem unvergesslichen, immersiven Erlebnis erheben kann.

Mass Effect 3

Der Soundtrack von Mass Effect 3 bietet ein emotionales und filmisches Erlebnis, das die hochdramatische Erzählung des Spiels verstärkt und beweist, wie wichtig Videospielmusik für die Immersion der Spieler ist. Mit einem Team von Komponisten, darunter Clint Mansell, Sam Hulick und Christopher Lennertz, kombiniert der Score große orchestrale Arrangements mit atmosphärischen, synthgetriebenen Tracks, die perfekt die Spannung einer Galaxie am Rande der Vernichtung einfangen.

Stücke wie “Leaving Earth” setzen einen düsteren, fast hoffnungslosen Ton, während Tracks wie “An End, Once and For All” einen herzzerreißenden, aber triumphalen Abschied von einer der beliebtesten Sci-Fi-Sagas im Gaming bieten. Die Musik in Mass Effect 3 begleitet nicht nur die Action – sie definiert das emotionale Gewicht jeder Entscheidung und macht es zu einem der kraftvollsten Videospiel-Soundtracks seiner Ära.

Final Fantasy VI

Der Soundtrack von Final Fantasy VI, komponiert von Nobuo Uematsu, ist eine Landmarke in der Videospielmusik und drängt die Grenzen dessen, was auf dem SNES möglich war. Von dem hauntingly beautiful “Terra’s Theme” bis zum bombastischen “Dancing Mad” fängt der Score die emotionale Tiefe und die großartige Erzählung des Spiels perfekt ein. Das Highlight ist zweifellos die “Opera Scene”, eine ehrgeizige, mehrschichtige Komposition, die zu einem der ikonischsten Momente in der Musik der Videospiele gehört.

Uematsus Einsatz von Leitmotiven und reicher Orchestrierung gibt jedem Charakter und jeder Geschichte eine einzigartige musikalische Identität, wodurch Final Fantasy VI zu einem der besten Videospiel-Soundtracks aller Zeiten wird und beweist, dass selbst mit 16-Bit-Technologie ein Soundtrack filmische Emotionen und Erzählungen liefern kann.

Chrono Trigger

Der Soundtrack von Chrono Trigger, komponiert von Yasunori Mitsuda und Nobuo Uematsu, ist ein Meisterwerk der Videospielmusik, das orchestrale Pracht mit zeitlosen Melodien verbindet, die seit Jahrzehnten geliebt werden. Jeder Track ist sorgfältig gestaltet, um die Zeitreise-Erzählung des Spiels zu verbessern, von der abenteuerlichen und triumphalen “Frog’s Theme” bis zu den hauntingly beautiful “Corridors of Time.”

Die Musik begleitet nicht nur das Spiel – sie bringt seine Welt zum Leben, sodass jede Ära einzigartig und emotional resonant wirkt. Mit ihren komplexen Kompositionen und unvergesslichen Themen steht Chrono Trigger als eines der besten Beispiele dafür, wie Musik in Videospielen über ihr Medium hinausgehen und ebenso legendär werden kann wie das Spiel selbst.

Celeste

Der Soundtrack von Celeste, komponiert von Lena Raine, ist ein atemberaubendes Beispiel dafür, wie Videospielmusik sowohl emotional kraftvoll als auch mechanisch integral sein kann. Mit einer Mischung aus ambientem Klavier, elektronischen Synths und dynamischen Schichten entwickelt sich die Musik parallel zu den herausfordernden Plattformabschnitten und der tief persönlichen Erzählung des Spiels.

Tracks wie “Resurrections” und “Reach for the Summit” bauen Spannung und Triumph in perfekter Harmonie mit dem Kampf des Spielers auf, während sanftere Stücke wie “Madeline and Theo” Momente der Introspektion bieten. Die Art und Weise, wie der Soundtrack sich an das Gameplay und die Erzählweise anpasst, macht Celeste zu einem herausragenden Beispiel für Musik in Videospielen und beweist, dass ein großartiger Score sowohl die emotionale als auch die mechanische Tiefe eines Erlebnisses verbessern kann.

Katamari Damacy

Der Soundtrack von Katamari Damacy, von mehreren Komponisten, ist eine eklektische, fröhliche Explosion aus Jazz, Pop und elektronischen Beats, die den skurrilen Charme des Spiels perfekt einfängt. Im Gegensatz zu den meisten Videospiel-Soundtracks, die auf atmosphärische Immersion abzielen, setzt Katamari Damacy auf pure, ungefilterte Freude mit fröhlichen Gesangstracks und eingängigen Melodien, die so verspielt sind wie das Spiel selbst.

Songs wie “Katamari on the Rocks” setzen den Ton mit einer ansteckenden Energie, die das Rollen von Objekten (und schließlich ganzer Kontinente) noch absurd befriedigender macht. Es ist ein perfektes Beispiel dafür, wie Musik in Videospielen mehr sein kann als nur Hintergrundgeräusch – sie kann die Identität des Spiels definieren und jeden Moment zu einer Feier machen.

Risk of Rain Serie

Die Risk of Rain-Serie bietet einige der atmosphärischsten und pulsierendsten Videospielmusik im Roguelike-Genre, dank des Komponisten Chris Christodoulou. Die Musik verbindet progressiven Rock, elektronische Synths und ambientale Klanglandschaften, wobei der Soundtrack sich mit der Intensität jedes Durchlaufs entwickelt. Tracks wie “Coalescence” aus Risk of Rain 2 mischen unheimliche Melodien mit treibenden Percussion und spiegeln perfekt die Spannung wider, die beim Erkunden einer fremden Welt und dem Kämpfen gegen überwältigende Chancen entsteht.

Die Art und Weise, wie die Musik zwischen ätherischer Ruhe und energiegeladenem Chaos wechselt, verbessert das Tempo des Spiels und macht es zu einem herausragenden Beispiel dafür, wie Musik in Videospielen sowohl Stimmung als auch Dynamik formen kann.

Minecraft

Der Soundtrack von Minecraft, komponiert von C418, ist eine Meisterklasse in subtiler, atmosphärischer Videospielmusik, die die offene Erkundung des Spiels verbessert. Mit sanften Klaviermelodien und ambienten Synth-Texturen schaffen Tracks wie “Sweden” und “Wet Hands” ein Gefühl von Nostalgie und Ruhe, sodass selbst die banalsten Aufgaben tief meditativ wirken.

Im Gegensatz zu vielen Videospiel-Soundtracks, die Action oder Spannung antreiben, embrace die Musik von Minecraft den Minimalismus und ermöglicht es den Spielern, in ihre Kreationen einzutauchen, während der Soundtrack sanft ihre Reise untermalt. Es ist ein perfektes Beispiel dafür, wie Musik in Videospielen sowohl zurückhaltend als auch zutiefst emotional sein kann und das Erlebnis formt, ohne es zu überwältigen.

Mega Man

Die Mega Man-Serie ist ein Paradebeispiel dafür, wie Videospielmusik schnelles Plattformspiel in ein unvergessliches Erlebnis verwandeln kann. Mit ihren chiptune-gesteuerten Kompositionen bietet die Serie einige der sofort erkennbarsten Melodien in der Gaming-Geschichte. Tracks wie “Dr. Wily’s Castle” aus Mega Man 2 liefern einen adrenalinpumpenden Mix aus elektronischen Beats und eingängigen Hooks, die die Spieler durch die gnadenlosen Herausforderungen des Spiels antreiben.

Trotz der Einschränkungen der frühen Hardware bewies die Mega Man-Serie, dass Videospielmusik kein Orchester braucht, um ikonisch zu sein – sie braucht nur eine killer Melodie, eine straffe Komposition und eine Energie, die der Action auf dem Bildschirm entspricht.

Donkey Kong Country

Der Soundtrack von Donkey Kong Country, komponiert von David Wise, ist eine bahnbrechende Errungenschaft in der Videospielmusik, die atmosphärische Klanglandschaften mit unvergesslichen Melodien verbindet. Von der entspannenden, aber eindringlichen “Aquatic Ambience” bis zur energiegeladenen “Stickerbush Symphony” ergänzt die Musik perfekt die üppigen Umgebungen und dynamisches Plattformspiel des Spiels.

Die Verwendung von geschichteten Instrumenten und ambienten Effekten im Soundtrack war ihrer Zeit weit voraus und nutzte die Fähigkeiten des Super Nintendo, um ein reichhaltiges, immersives Erlebnis zu schaffen. Nur wenige Videospiel-Soundtracks fangen eine so breite emotionale Palette ein und beweisen, dass selbst in der 16-Bit-Ära Musik in Videospielen genauso kraftvoll und unvergesslich sein kann wie in Film oder Fernsehen.

Sonic the Hedgehog

Die Sonic the Hedgehog-Serie hat konstant einige der energetischsten und unvergesslichsten Videospielmusik in der Branche geliefert, wobei das Gameplay in Höchstgeschwindigkeit perfekt mit eingängigen, adrenalingeladenen Tracks abgestimmt ist. Von den funky Basslinien der “Green Hill Zone” im ursprünglichen Sonic the Hedgehog bis zu den rockigen Hymnen von Sonic Adventure 2 hat die Franchise immer gewagte, lebendige Klanglandschaften umarmt.

Die Musik ergänzt nicht nur die Action – sie treibt sie an, sodass jeder Loop, Sprint und Sprung noch aufregender wird. Nur wenige Videospiel-Soundtracks erfassen das Wesen eines Spiels so gut wie Sonic’s und beweisen, dass Musik in Videospielen genauso schnell und dynamisch sein kann wie das Gameplay selbst.

Persona 5

Der Soundtrack von Persona 5 ist eine Meisterklasse in stilvoller, jazzdurchzogener Videospielmusik, die Acid Jazz, Funk und Rock nahtlos miteinander verbindet, um eine Atmosphäre zu schaffen, die vor Persönlichkeit strotzt. Komponiert von Shoji Meguro, fangen Tracks wie “Last Surprise” und “Beneath the Mask” perfekt die rebellischen Themen und die urbane Ästhetik des Spiels ein.

Die groovigen Basslinien, sanften Saxophonmelodien und dynamischen Arrangements heben nicht nur das Gameplay, sondern die gesamte Stimmung des Erlebnisses. Mehr als nur Hintergrundmusik ist der Score von Persona 5 ein wesentlicher Bestandteil seiner Identität und beweist, dass Musik in Videospielen ebenso stilvoll und unvergesslich sein kann wie die Welten, die sie zum Leben erwecken.

Doom (2016)

Der Soundtrack von Doom (2016), komponiert von Mick Gordon, ist ein unerbittlicher, pulsierender Angriff von Heavy Metal, der perfekt zur schnellen, dämonenzerstörenden Action des Spiels passt. Mit verzerrten Gitarrenriffs, industriellen Synths und dröhnenden Percussion liefern Tracks wie “Rip & Tear” und “BFG Division” nicht nur eine Ergänzung zur Gameplay – sie treiben es an und machen jeden Schuss und jeden Glory Kill noch intensiver.

Im Gegensatz zu traditionellen Videospiel-Soundtracks schichtet Doom seine Musik dynamisch und steigert die Intensität, während die Action eskaliert, wodurch sichergestellt wird, dass der Spieler immer in das Chaos eintaucht. Es ist ein Paradebeispiel dafür, wie Musik in Videospielen ein zentraler Bestandteil des Spielerlebnisses sein kann und die Spieler dazu anregt, schneller zu bewegen, härter zu schlagen und die schiere Brutalität des Kampfes zu umarmen.

Tropico

Der Soundtrack von Tropico (2007) ist eine lebhafte Feier lateinamerikanischer und karibischer Rhythmen, die eine ansteckende Energie in die leichtfüßige Sicht des Spiels auf eine brutale Diktatur bringt. Mit einer Mischung aus Salsa, Mambo und traditionellen kubanisch inspirierten Melodien setzt die Musik den perfekten Ton für das Management eines Inselparadieses mit eiserner Faust (oder samtener Hand).

Im Gegensatz zu vielen Videospiel-Soundtracks, die in den Hintergrund treten, macht die lebhafte Instrumentierung von Tropico – komplett mit Hörnern, Congas und fröhlichen Gitarrenriffs – selbst die banalsten administrativen Aufgaben zu einer tropischen Fiesta. Es ist ein fantastisches Beispiel dafür, wie Musik in Videospielen die Identität eines Spiels etablieren kann und in diesem Fall die Spieler mit jeder Note auf eine kleine totalitäre Insel transportiert.

The Elder Scrolls V: Skyrim

Der Soundtrack von Skyrim, komponiert von Jeremy Soule, ist einer der immersivsten und filmischsten Videospiel-Soundtracks, die je geschaffen wurden, und verwandelt die Welt von Tamriel in ein lebendiges, atmendes Fantasieepos. Von den donnernden nordischen Gesängen “Dragonborn” bis zur ruhigen Schönheit von “Far Horizons” wechselt die Musik dynamisch, um die Reise des Spielers widerzuspiegeln, wodurch Erkundung, Kampf und ruhige Momente gleichermaßen großartig erscheinen.

Die orchestralen Kompositionen fügen sich nahtlos in die weite offene Welt des Spiels ein und verstärken das Gefühl von Abenteuer und Entdeckung. Nur wenige Beispiele für Musik in Videospielen haben einen so legendären Status erreicht, wobei der Soundtrack von Skyrim weiterhin bei den Spielern nachhallt, lange nachdem ihre Quest beendet ist.

Ehrenvolle Erwähnungen

• Metal Gear Rising: Revengeance
• Chrono Cross
• Fire Emblem: Three Houses
• Vampire Survivors
• Cuphead
• Death Stranding
• Hollow Knight

FAQ: Die Besten Videospiel-Soundtracks, Die Es Wert Sind, Erlebt Zu Werden